Elles ont pourtant une histoire commune liée au parcours de cette jeune artiste japonaise, née en 1982, qui vient de la performance et explore toutes les autres formes artistiques : peinture, photos, sculptures, installations avec le même bonheur et la même inspiration onirique.
L’artiste ne donne pas d’explication, mais invite seulement le visiteur à entrer dans son monde.
Ma maison
Celle des rêves de l’artiste avec images, pictogrammes et idéogrammes. Celle des nôtres ?
Accrochée entre ciel et terre.
Cette maison a la silhouette d’un personnage bienveillant attendant des convives. Les visiteurs ?
Une cage ? Plutôt une limite protectrice aussi légère que possible entre l’intérieur et l’extérieur.
L’oiseau, y semble heureux. Par les hasards de l’exposition, il se trouve en face d’une autre œuvre contemporaine, installée en symétrique, faite par Yves Lefebvre à l’aide de fils de cuivre soudés, au-dessus de la porte d’entrée de Saint-Merry. Le très visible de la perruche japonaise en face du presqu’invisible albatros… Un dialogue près des clefs de voute que vient troubler parfois les pigeons parisiens entrant dans l’église et virevoltant au-dessus des visiteurs. Deux échos à la figure de la colombe ?
Oiseau de Y Lefebvre
Autel
La chapelle Saint-Vincent-de-Paul était dépourvue d’autel. Pourquoi ne pas lui en imaginer un ?
L’œuvre de Asamï Nishimura est donc une commande de Voir et Dire, à une artiste d’une autre tradition religieuse.
Par son volume, elle rend tangible la notion d’élévation à l’aide un matériau de tous les jours, la boîte en carton. Des centaines de boîtes de la hauteur d’une marche d’escalier, qui prennent d’autant plus de relief, que la lumière arrive de côté et amplifie les creux et les pleins, d’un paysage désordonné de piles pourtant bien rangées. Paradoxes !
Autel ou Babel ?
Un lien entre le sol et une fresque. Pour quelle célébration ?
Certainement une invitation à l’émotion et à un jeu imaginaire.
De Asamï Nishimura à Tadashi Kawamata et Étienne Martin
1) Les œuvres Asamï Nishimura ont une histoire.
En effet, Voir et Dire les a découvertes lors de l’exposition des Félicités de l’école des Beaux Arts (Mai-Juillet 2010), qui est la reconnaissance officielle des talents d’une poignée de jeunes artistes ayant terminé leur cursus dans cette vénérable institution.
Ces œuvres étaient rassemblées dans le grand escalier. "Ma maison" était une fresque, les cartons, de la hauteur des marches d’escalier, créaient un bouleversement de l’architecture du lieu, fait de surgissements ordonnés et désordonnés à la fois.
Tout devait être détruit à la fin de l’exposition.
Voir et Dire a alors proposé à Asamï Nishimura de réimporter l’ensemble à Saint-Merry. La fresque est devenue toile. Les cartons ont pris le camion de déménagement…et sont devenus Autel.
Autre lieu, autres significations du fait des rapprochements avec les œuvres existantes. Le contexte fait l’œuvre nous a déjà dit Duchamp, avec sa roue de bicyclette et son urinoir, il y a plus de cent ans !
C’est aussi ce que Yves Klein a largement démonté avec ses performances. (Voir article de V&D).
Et l’oiseau ?
Celui-ci aussi a une histoire. Lors d’une performance (Cucurucucu) à l’espace culturel de la Ville de Paris, le « 104 », Asamï Nishimura avait mené une action d’une très grande poésie, à l’aide de grands voiles comme habit. Elle s’était fait aussi une coiffure-nid dans laquelle logeait une perruche verte. L’artiste et la perruche logeaient dans le même volume fait de tulles ; ils partageaient la même maison.
Lors de la soutenance de son diplôme, Asamï Nishimura avait utilisé le même dispositif de la coiffure-nid, et sa perruche virevoltait durant toute la performance. Le jury en avait été profondément marqué pour lui attribuer les félicitations.
Ainsi donc, ce que l’on voit à Saint-Merry ce sont des traces d’un moment éphémère, désormais largement ouvert à de multiples interprétations et surtout à l’émotion.
Les heureux hasards de la programmation ont fait que au même moment se terminaient deux expositions au Centre Georges Pompidou, qui traitaient de questions proches de celles abordées par Asamï Nishimura dans « Ma maison »
2) Tadashi Kawamata, Cabanes
Sculpteur, installateur cet artiste japonais de renommée internationale s’est fait connaître pour ses assemblages de matériaux pauvres : les planches de bois de coffrage, des chaises usagées, des cageots. Ceux –ci sont devenus par ses mains des modules de base d’immense constructions parfois et qui sont toutes assemblées par des personnes directement concernées par le milieu dans lequel il place ses œuvres : des personnes incarcérées pour une œuvre dans les prisons, des étudiants pour une autre se trouvant près de l’École d’architecture de Versailles, etc.
À Beaubourg il a travaillé avec les étudiants, l’équipe technique du Centre, les parents et les enfants.
C’est un artiste issu du mouvement Fluxus qui sculpte l’urbain et l’environnement, le révèle comme ont pu le faire Christo ou Buren, mais avec d’autres codes et finalités sociales et politiques
À Beaubourg, il a fait des nids à taille humaine, mais inaccessibles sauf par la pensée. Ses sculptures, qui sont explicitement des abris en référence à la situation des Sdf, ont investit de nombreux lieux, jusqu’à la Galerie des enfants. Ces derniers se sont vus proposés de faire des cabanes en carton, activité ludique et traditionnelle à leurs âges, mais avec un esprit différent.
« Chaque mois, l’artiste met en scène un nouveau thème, aidé par les enfants et des étudiants des Beaux-arts : paysage en avril, l’espace se fait ville en mai, village en juin avant de se transformer en labyrinthe en juillet, pour accueillir enfin une tour de Babel en août… Selon le thème proposé, les enfants s’emparent des cartons et testent toutes les possibilités de formes pour en choisir une et la fixer avec du scotch. Lorsque l’espace est saturé, les cartons sont démantelés et recyclés pour le thème suivant. En collaborant à l’œuvre de l’artiste, les enfants interrogent les notions de nature, d’architecture, d’urbanisme et de société ». (Catalogue du centre)
3) Etienne-Martin : Demeures (jusqu’au 13 septembre 2010)
Au travers d’une petite exposition (15 œuvres des collections), Beaubourg retrace l’itinéraire d’une artiste inclassable (1913-1995) qui a été identifié dès 1960 à ses Demeures, étranges sculptures-habitats conçues pour être visitées « en imagination » par le spectateur, célèbre pour être l’auteur du Manteau (1962), première sculpture en tissu de l’histoire de l’art moderne.
Autobiographie et ésotérisme sont les fondements d ‘un cycle d’œuvres qu’il a conçues à partir de configurations vécues et rêvées de sa maison natale de Loriol, qu’il a appelées pour cela Demeures.
La demeure étant à la fois clef de l’imaginaire formel mais aussi une métaphore pour parler de lui, la peau étant la première demeure de l’homme puis viennent ses habits, et enfin la maison (sans oublier la voiture pour bon nombre de nos contemporains qui s’y réfugient parfois durant des heures chaque jour).
Voir et Dire aurait pu évoquer bien d’autres artistes ayant travaillé sur les abris ou la maison (Mario Merz ou Daniel Burenpar exemple) car ce sont repères anthropologiques fondamentaux que l’art n’a jamais esquivés.
Daniel Buren : Cabane (1991) Musée de Saint-Étienne TDR
Mario Merz : Giap Igloo(1968) TDR